Dos Conejos presenta: PUM PUM! Música por Gloory Hole Composición Gloria Russi, Oscar Arias y Loom Pen Grabada en el Estudio Dos Conejos en CDMX Producción por Loom Pen y Diego Suarez Mix y Master por Pepe Pecas Una producción de Gloory Hole Team para Gloory Hole Producción Ejecutiva: Diego Suarez Dirección y Fotografia: Todos, en algun momento. Edición: Maravillabooy y Loom Pen Animación: Ludwig Maravilla Color: Azael Arroyo Dron: Vidal Cruz Talento: Gloria Russi Efren Esparza Ludwig Maravilla Kenia Villar Azael Arroyo Oscar Arias
Por Don Poyo CorE
Se
supone que el 21 de diciembre del 2023 se realizaría la tocada para celebrar el
30 aniversario de STRESS, pero la persona encargada del local donde
sería el evento canceló sin previo aviso, además, cínicamente expresó que le
había dado la fecha a otro organizador esperando un evento más redituable, algo
que encabrona, pero ya hablaremos del tema en las próximas entregas de esta
columna, de cómo algunos bares o espacios simplemente dan la espalda a las
bandas que pertenecen a la escena de la música extrema rompiendo acuerdos y
ofreciendo solamente una patada en el trasero… hoy estoy en modo más optimista
que malpedo.
El
2023 fue un buen año para la música extrema en Hermosillo (incluso podría decir
que también para Sonora), no un año fácil, pero sí un año de buenas tocadas, de
continuidad en el trabajo de promotores, estudios, bares, sellos y medios
independientes que cubren y participan en esta escena. En Hermosillo podemos
hablar de proyectos como el podcast y espacio para bandas en vivo, Escucharte,
el cual, el señor Douglas graba y produce acompañado de su familia,
también tenemos que mencionar a los programas de Radio Universidad, Radio
Sonora, en los cuales se da cabida a la música extrema, tanto local como
nacional e internacional, programas como Quemando Asfalto, Audio Rock,
Estación Rock, porque digan lo que digan, la radio sigue viva y estos
espacios incluyen en su programación bandas extremas… cuando menos las
ocasiones que yo los he escuchado, y de hecho, en Audio Rock tuve la
oportunidad de colaborar hace un par de
años con una sección, donde por supuesto el grindcore, el death metal y el
noise, estaban presentes, entre otros géneros y subgéneros extremos. Aclaro, es
difícil mencionar a todas y a todos, así que por lo pronto solo menciono a
quienes me vienen a la memoria en este momento, pero como dije antes, ya
hablaremos de ello, y claro que mencionaremos a programas y la programación de
música extrema en otros proyectos como Libera Radio y De Política
& Rock And Roll Radio.
Pero
vayamos al punto, el optimismo del que hablo no se basa solo en la continuidad
del trabajo de los medios con relación a la música extrema (aunque se agradece
y mucho), sino también en la continuidad del trabajo de proyectos como BESTIA
PROMOTION, RAZA NOCTURNA, RIZOMA RECORDS, CONSTRUCTIVISMO
DISTRO y MOTORWORSHIP RECORDS, donde se han detonado colaboraciones
creando una verdadera comunidad de bandas, promotores, estudios, sellos, lo
cual se vio reflejado el pasado martes 19 de diciembre durante el ensayo de STRESS.
Como dije al principio, los STRESS teníamos la esperanza de celebrar nuestros
30 años de estar haciendo ruido en diciembre del 2023, pero ante la cancelación
del local nos vimos forzados a reprogramar el evento para el 20 de enero del
2024, pero de igual manera optamos por ensayar y despedir el año con unas
cervezas y una convivencia entre los integrantes de la banda, por lo que le
pedimos permiso al señor Lobo Flaco, dueño del estudio y sello MOTORWORSHIP
(nuestro cuartel general de ensayos), que si nos daba quebrada de tomarnos
unas cheves, y claro, que nos hiciera el honor etílico de acompañarnos.
Al evento
cervecero se unió Iván, ex bajista de STRESS y actualmente
bajista de HYENNA, quien, por cierto, nos hará el paro en marzo en un
evento (también del cual pronto hablaremos) donde no podrá estar David,
nuestro bajista, y llegó en plan de ir checando las rolas para que el tiempo no
nos agarre desprevenidos. En pocas palabras, chavorruco prevenido vale por dos.
También a la noche de gala asistió el buen Jaime, vocal de HYENNA
y amo y señor de BESTIA PROMOTION. Simplemente amenazó y cumplió con
caerle. Luego llegó el Viraz, guitarrista también de HYENNA
(quien por cierto grabó un par de intros con el saxofón en el disco de STRESS),
arribando casi al mismo tiempo que el Polo, guitarra de MILO KOLAPZO
y colaborador de HYENNA (que espero pronto pase de músico invitado a
integrante oficial, ya que se ve muy guapo con la playera de HYENNA,
además de que ya hasta rompe guitarras como el Miguel de LA PERRA
VIDA). Y claro, imposible no mencionar la visita del señor Don Bacterias,
ex guitarrista de STRESS, MILO KOLAPZO, MÁQUINA 501, entre
muchas otras, quien, como cada diciembre en los últimos años, nos visita desde
el sur del país, y a quien se le agradece la visita anunciada, casi sorpresa, a
nuestro recinto de ensayos, la cueva del Lobo Flaco. Es más, hasta el
doctor Tánori, primer vocal de LÚXOR y actualmente integrante de RIZOMA
RECORDS, estuvo presente un buen rato en una videollamada brindando desde Ciudad
Obregón y participando en la charla.
Y ahí
estábamos los STRESS: David, Tony, Rubén, alias Grindboy
(el chico maravilla del grindcore sonorense) y acá su nunca servidor, pasando
una noche chingona de nostalgias, porque estas, siempre lo he dicho, son
gratis, lástima que las cheves no… en fin, ahí estábamos brindando,
compartiendo historias de la escena, empinando el codo entre la carrilla, fotos
y apalabrando planes, por ejemplo, en enero del 2024 HYENNA y STRESS
compartirán tres eventos en Hermosillo, Ciudad Obregón y en Guaymas, donde
también participarán bandas como ORGON JIHAD, EL GRITO, MOTORAISER,
CRÁNEO DE GATO, DISAKUERDO, SINIESTRA MARÍA, HOMINEM
LIBITHIUM, entre otras (aunque no todas en el mismo evento), además ya
entrados en creatividad cervecera se habló de la edición de dos discos
compactos, uno de ellos una compilación de bandas con las que se ha creado
comunidad, así como un tributo a una legendaria banda metalera sonorense que
directa o indirectamente ha sido una influencia para esa misma comunidad de
bandas y sellos.
Sí,
fue una buena peda (la cruda al siguiente día respalda esa afirmación), pero lo
que se charló en cuanto a proyectos era algo que ya tenía tiempo sobre la mesa
de negociación entre BESTIA PROMOTION y RIZOMA RECORDS (sello
donde colaboramos dos integrantes de STRESS), y simplemente aprovechamos
la ocasión para comentarlo a las bandas y sellos presentes. No daré más detalles
por el momento, pero habrá señales e iré compartiendo actualizaciones en las
siguientes entregas de este intento de columna sobre la escena sonorense, y si
es la primera vez que nos lees, te comento que tiendo a la divagación, tanto
narrativa como descriptiva, lo comento porque eso es lo que ofrezco como
conector caótico de mis ideas y reflexiones posiblemente sofistas, seguramente
relativas.
Por el
momento es todo. Me despido compartiendo las fotografías de la noche, de esa
noche, las cuales se tomaron al terminar el ensayo de STRESS. Recuerden
comer frutas, verduras y leer fanzines.
DON POYO CORE
Hermosillo, Sonora. 1977. Vocal de STRESS y MUSYDEZ, editor de fanzines, integrante de Rizoma Records y Rizoma Ediciones, así como del colectivo Contra Divisiones Absurdas Crew y orgullosamente parte de la primera generación de Rock Sonora y Radio Bemba a inicios de los dos miles.
Por Don Poyo CorE
Fotografías del archivo de Punk Zonora
Les
doy oficialmente la bienvenida a esta columna, a Disonancia Desértica,
un espacio editorial para el rock hecho en Sonora. ¿De qué vamos a hablar? De
todo lo concerniente a la escena sonorense, de lo que pasa abajo y arriba del
escenario; a veces habrá entrevistas, otras reseñaremos discos, fanzines,
programas de radio, pero siempre bajo una visión crítica y sin condescendencia,
sin palmaditas en la espalda; además, esta columna estará sazonada con un toque
de nostalgia: ya son más 30 años en la escena, no me pueden culpar.
Antes
de continuar me gustaría compartirles que me parece realmente grandioso que el
buen Matute retomara Rock Sonora. Esto va en serio y por
buen camino. Espero que cada vez más bandas y personas se acerquen para
colaborar, así como para visitar la página.
Matute me
invitó a participar hace varios meses, y si tardé tanto en tomarle la palabra
no fue por falta de entusiasmo o interés, tampoco por falta de temas o
contenido. Hay tanto que quiero decir, de lo que puedo y quiero hablar… el
problema fue decidir dónde y con qué iniciar. En esta ocasión opté por hacer un
recuento (muy general), hacer memoria (hasta donde se pueda) de mis años en Rock
Sonora (en su nacimiento y primera etapa a finales de los noventa e
inicio de los dos miles), porque el pasado es importante: es un punto de
partida, un referente del acierto y el error que toda escena debe tener en
cuenta para evolucionar.
Rock Sonora
fue un parteaguas a nivel nacional, inclusive, en su mejor momento, tuvo
alcance internacional. Los años noventa llegaban a su final. Tenía menos de un
año en la universidad cuando Jorge Moreno (alias Matute)
me invitó a participar en Rock Sonora. En ese entonces muy pocas
personas contaban con una computadora en casa, muchas menos con acceso a
Internet. De hecho, cuando el buen Matute me invitó al equipo de
trabajo, yo tenía apenas cerca de seis meses de haber creado mi primer correo
electrónico, pero, aun cuando era un neófito en cuestiones de Internet, contaba
con algo de experiencia en eso de escribir sobre la escena, colaborando con varios
fanzines locales.
Como
dije antes, a finales de los noventa pocas personas podían presumir tener
Internet en casa, e inclusive, quienes tenían lo negaban para no ser acusados
de “riquillos” o “fresas”. Pero eso sí, el negocio del momento eran los
llamados cíber cafés, donde en realidad solo podías tomar café soluble, sodas,
papitas, galletas, gansitos, y donde no era nada raro verte obligado esperar a
que se desocupara una máquina, a veces hasta por una hora o más. También los
centros de cómputo de las preparatorias y universidades, que contaban con este
servicio, estaban comúnmente saturados, al grado que si querías usar un equipo debías
apartarlo con días de anticipación y el tiempo frente al monitor era limitado.
Pero
siendo honestos, aun cuando escaseaba el acceso a Internet en los hogares
sonorenses, la fiebre de los correos electrónicos y páginas de “chats” estaban
en su mejor momento, y para la gente de la escena, para las bandas y para los
amantes de la música subterránea e independiente, todo era novedad: nuevas amistades y contactos, además podías
acercarte directamente a sellos, a otras bandas, programas de radio, revistas,
distribuidoras y colectivos.
No voy
a decir que en ese entonces era yo un veterano de la escena, no, pero todavía
me tocó esa época previa al Internet donde si pertenecías a una banda de metal,
de punk, de hardcore, la única manera de organizar una gira era consiguiendo
contactos de promotores, colectivos o de bandas que tocaran tu género y les
gustara la música que hacías, lo suficiente como para invitarte a caerle a su
ciudad y a sus casas. Esos contactos se conseguían casi siempre en fanzines y
por correo tradicional, para lo cual tenías que esperar hasta un mes para
recibir respuesta, esto en el caso de que la persona a quien contactabas te
contestara inmediatamente.
En la
mayoría de los fanzines y revistas de rock se agregaba una sección al final dedicada
a los llamados “tape traders”, personas que
compartían sus gustos musicales en una carta para ser publicada y ofrecían
intercambiar casets grabados, vinilos y demos de bandas subterráneas, haciendo
pública la dirección de su casa e invitando a la gente a escribirles. También,
y de vez en cuando, en esa sección encontrabas bandas y sellos que ofrecían sus
demos a la venta o en intercambio. Sí, ya existía el teléfono, pero lo crean o
no, las llamadas de larga distancia eran exageradamente caras, y Telmex, cuando
notaba que desde una línea se hacían llamadas a otras ciudades o países,
mágicamente hacía aparecer en tu recibo minutos de más o llamadas que nunca se
hicieron. Las llamadas locales eran ya un lujo: las de larga distancia eran un derroche,
una invitación a perder el servicio telefónico al no poder pagar el recibo.
Cuando
llegó Rock Sonora los precios en los ciber cafés eran
“accesibles”, no lo suficiente como para crear una página porque te cobraban
por hora y las máquinas eran muy lentas y la conexión fallaba, y si contabas
con el presupuesto y el tiempo, debías contar también con la disposición de
alguien que más o menos le supiera mover. Hoy puedes crear un blog o una página
en media hora y no necesitas dominio del tema. Y esto es lo que explica el
éxito de Rock Sonora por varios años, así como su trascendencia.
Las
bandas tuvieron la oportunidad de promover su trabajo en todo el mundo (y
gratis) en la página de rocksonora.com, pues lo primero que se hizo fue crear
un directorio de bandas (en orden alfabético y sin tomar en cuenta el género),
donde podías consultar la biografía de los grupos, sus fotos, música,
información de sus presentaciones y dejar un comentario o pregunta.
Después
de concretar el primer directorio, el cual aumentaba semana con semana, se
consideró importante el dar voz a la opinión del público, y de ahí nació la
idea de publicar columnas y un foro. Yo escribí un par de columnas, la más
estable y de mayor continuidad fue una llamada Punk Zonora, y
recuerdo que el señor Rubén “Vicio”, guitarrista de la banda LÚXOR
tenía su versión llamada Metal Sonora. Buenos tiempos sin duda.
Después
trabajar la promoción de las bandas, la sección de las columnas, foros y
artículos, así como reseñas de tocadas y otros eventos, Rock Sonora
también se transformó en una red social mucho antes de Facebook e
inclusive mucho antes de MySpace, donde sacabas tu perfil, charlabas, ya
no solo con bandas, sino con otras y otros usuarios, creando debates y
vendiendo, intercambiando y/o comprando discos, casets e instrumentos, entre
otras cosas. Y no es mamada, pero hoy se
conocen historias de matrimonios de chavorrucos noventeros que se conocieron
ahí.
Fue
tanto el éxito en la promoción de las bandas, que de repente nacieron en otros
estados proyectos similares (a veces demasiado) a Rock Sonora y
de la nada bandas de todo México escribían y preguntaban si había un espacio
para ellos, para promover su trabajo, y así también se agregó un directorio de
bandas nacionales.
Vaya…
no sé si lo notaron, pero creo que en verdad me tomé muy en serio esto de las
“divagaciones” … una disculpa, la nostalgia hace que la pluma fluya y uno
agarra monte, pero bueno, sí, estaban avisados y avisadas, esto será una
divagación en forma de columna.
En
fin, creo que es obvio que me sobran buenos recuerdos de mi época en Rock
Sonora. Una página que nació para promover bandas sonorenses y que
después se transformó en una referencia, un punto de encuentro para toda la
escena. Cuando me fui de Rock Sonora no sé mucho de lo que pasó
después en relación a su desaparición, pero siempre he sido de la idea que todo
colectivo, todo proyecto, tiene su nacimiento, apogeo y decadencia, es un
proceso natural, pero también creo que hoy la escena es demasiado grande, dispersa,
y esto se refleja en el hecho de que ya casi no hay tocadas donde se presenten
bandas de todos los géneros, lo cual me hace pensar que hoy no existe una
escena como tal, existen diferentes escenas que se dividen no solo en géneros,
sino también en generaciones.
Hoy
como nunca hay bandas, espacios para tocar, bares… es más, antes de la mentada
pandemia había hasta de tres a cinco tocadas el mismo fin de semana. Por eso
soy de la idea que es realmente digno de celebrar que que regrese Rock Sonora,
ya no solo para promocionar bandas, ya que para eso hay cientos de opciones
(gratuitas y no tanto), sino para retomar ese punto de encuentro ante tanto
talento disperso en Sonora. Porque hoy nos queda claro que la escena no se
trata solo de las bandas; el público y la prensa son parte de la misma, y ahí
Sonora también se pinta solo: hay un buen de público, sí, exigente, pero
(mayormente) respetuoso, así como medios audiovisuales de calidad como
fanzines, estudios de grabación, podcast y programas de radio, pero no existe
un punto de encuentro, ni físico ni virtual. Por eso celebramos, insisto, el
regreso de Rock Sonora; y va de nuez: esto con toda la
esperanza de construir de nuevo un punto de encuentro, esta vez no solo entre
el público y las bandas, sino también entre generaciones y las diferentes
escenas.
PD: Las fotografías son
aproximadamente del año 2000, quizá del 2001. Es una serie tomada durante el primer evento para juntar fondos para la página de Rock Sonora.
Por Bere Equis
Fotos
Ángel Orozco
Yo
no quiero el moshpit para mí sola. Prefiero que entiendas que como participante
de la escena estoy ahí por la música, pero eso no te da derecho a pensar que mi
presencia es incondicional: no voy a apagar mi curiosidad, es esta misma la que
me impulsa a cuestionar lo que soy, lo que siento, lo que vivo. Difícilmente
aceptaré lo asumido por las y los demás como única realidad. ¿Una de las
razones por las que digo esto? El vocalista de GRITO de Colombia en su
discurso solemne y enardecedor en Hermosillo dijo: “La unión en el hardcore es
incondicional”. Lejos de ser arrastrada por el entusiasmo, pensé: ¡Oigan esperen
un momento!, tomando en cuenta el contexto local actual, no debería ser así ni
dentro del género señalado ni en la escena misma. Haenfler señala que la
vieja escuela del hardcore, al menos en un nivel superficial, apoyó una
ideología de inclusión y aceptación para fomentar espacios libres de discriminación,
que no den lugar a discursos de odio como la homofobia, el racismo, el sexismo,
la xenofobia y otras formas conexas.
Otra
aproximación académica del tema afirma que los participantes del hardcore de
hoy tienen más una actitud de laissez faire (dejar hacer) acerca del
sexismo (y podríamos anotar las otras formas de discriminación) y están más
preocupados por presentarse a sí mismos como los machos alfa.
En mi inventario de gratitud están quienes fueron mis pares y como tales estuvieron dispuestos a compartir sus saberes musicales y el placer por la misma. Sostengo que mi interés superior es hacer ver que las rivalidades absurdas son antinosotr@s. Cada vez que publico algo sé que puede resultar incómodo o controversial, pero aun así creo necesario el debate donde no hago más que empatizar con las palabras de la vocalista Kathleen Hanah de BIKINI KILL cuando dice: “hay cierta suposición de que cuando un hombre dice la verdad, es la verdad y que cuando como mujer voy a decir la verdad, me siento como si tuviera que negociar la manera de como seré percibida. Al igual, siento que siempre hay esta sospecha rondando a las mujeres, esa idea de que estás exagerando la verdad”.
Lo
que sí quiero es que te cuestiones, que nos cuestionemos como integrantes de
una escena: ¿qué tan importante es para nosotr@s (desde cualquier trinchera)
reflexionar?; ¿nos hace sentido nuestra forma de ver, vivir y hacer las cosas,
acaso somos congruentes?, ¿alguna vez te has preguntado por qué haces lo que haces?,
¿por qué estás actuando de esta o aquella manera?
Estamos construidos o determinados por la cultura, es decir, por toda esta serie de valores, costumbres, ideales y creencias de la sociedad que nos instruyen sobre quiénes somos y cómo debemos ser, incluyendo el comportamiento según el género. En muchos aspectos de nuestra cotidianidad estamos construidos o condicionados por nuestra asignación de sexo, condicionamiento que recibimos y vivimos de la manera en que somos tratados en la familia, la escuela y la comunidad. Lo cual nos lleva a constructos sociales que asumimos y vivimos como indiscutibles.
Así las cosas, los hombres en realidad no tienen predisposición natural a ser como la masculinidad hegemónica lo establece: al hombre se le obliga a reproducir comportamientos que supuestamente reflejan o representan su masculinidad o su hombría, de hecho, la escena hardcore no está libre de estos prejuicios hetero normados y los elementos que le dan identidad a la escena hardcore también se ven influenciados por estos prejuicios sin que la mayoría de las y los integrantes se percaten de ello, repitiéndose patrones de conductas construidas por la masculinidad hegemónica, que Conell describe como “aquel modelo que se impone y se reproduce, y por tanto naturaliza como práctica e identidad de género obligatoria para todos los hombres”, esto a partir de una visión generalizada que tiene la sociedad de cómo debe ser el comportamiento de los hombres, de lo que es esperable que hagan o no hagan: ¿te has visto presionado a suprimir o negar tus emociones?, ¿a no ser cobarde y no dejarte pasar por encima?, ¿a no expresar dependencia ni debilidad?, ¿a no sentir dolor, a aguantarte, a eliminar todo rastro de sensibilidad corporal porque eres hombre?, ¿a cultivar el honor?, ¿a dar por sentado que lo masculino debe ser siempre vigilado, medido y sobre todo siempre probado?, ¿a creer que la fortaleza, por ejemplo, está asociada a la fuerza física, y, por tanto, a atributos masculinos?, ¿a creer también que lo activo es masculino y lo pasivo femenino?, ¿a asociar la heterosexualidad con la masculinidad hegemónica?, ¿a pensar que se tiene una especie de entrenamiento que te permite ingerir más alcohol?, ¿que el que toma más es el más chingón, el más macho?, ¿qué si tomas mucho y no te pega “eres bien verga”?, ¿qué es mucho más difícil moderarse en la ingesta de alcohol que abstenerse?, ¿te ha tocado pedir agua o refresco y dar 20 mil explicaciones justificándote?, ¿cómo reaccionaron tus compas cuando se te ocurrió decir que no al lema “beer for the boys”?
Butler, lo dice, lo ha
teorizado: Los hombres no expresan su identidad, sino que la actúan como una
especie de performance, recrean las reglas disciplinadoras que describí
anteriormente, cuya intención es que cumplas con lo que se supone “está en tu
naturaleza”, y una vez que imitan tales comportamientos durante el tiempo
suficiente, llegan a pensar que esos comportamientos repetidos son innatos y
naturales y, de este modo, se convierten en lo que representan (Butler, 1990).
Si todavía no queda claro la intención de este texto, pongamos como ejemplo el moshpit, el cual es el escenario para las expresiones más abiertas de masculinidad en los espectáculos hardcore (Arnett, 1996, p. 17). Kimmel afirma que el moshpit funciona como un campo de pruebas de masculinidad. Estudiosos en el tema observan que, aun cuando los participantes suelen considerar el moshing como una actividad unificadora, es claro que los “slammers” más grandes, fuertes y agresivos dominan el pit y, por tanto, tienen menos probabilidades de lesionarse. Hay competencia masculina y, desde luego, jerarquías. Entre más violento sea el moshpit más cohesión se logra, aunque esta sea momentánea. Participar en el moshpit es arriesgado. Sin embargo, en la cultura occidental se considera que el asumir riesgos es un atributo innatamente masculino (Levine, 1998, pp. 12-14).
Y para cerrar, queridos míos, les dedico una rola de BIKINI KILL: “Double dare ya”, ese enérgico mensaje de empoderamiento y desafío a las normas sociales es también para ustedes señores del hardcore sonorense. Aclaro, el título de este texto hace homenaje al nombre del disco de una banda chilena hardcore que se rio del estereotipo del machocore proponiendo nuevas formas de ser. Aun así, hay individuos quienes eligen no seguir estos comportamientos relacionados con estereotipos masculinos y tampoco imitan aquellas expresiones de masculinidad relacionadas con la violencia. Bien por ellos.
Fotografía Ángel Orozco
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| Integrantes de BRIGADA y Bere Equis. |
¿De dónde viene el nombre de la banda?
Álex: Durante todo este tiempo de estar tocando en diferentes bandas, en algún punto llegamos a la conclusión de que el nombre de una agrupación musical no tiene tanta importancia mientras la música sea buena. Estábamos en nuestros veintes, era la década del 2010, veníamos de tocar en proyectos de hardcore y metalcore, y hubo una banda que manejaba estos géneros, que nos gustaba tanto que nos atrapó: BILLY THE KID de Costa Rica. Estos vatos tocaban canciones con nombre de películas y personajes históricamente famosos, y hay una donde hablan sobre una brigada que hará la noche suya dejando atrás toda tregua y amenazas hasta morir, dejándolo todo ahí… aunado al hecho de que en nuestra pubertad y adolescencia crecimos patinando en las calles y de alguna manera tocar punk y metal es producto de ello, es una versión de nuestro propio Bones Brigade, que fue un pro crew de skateboarding de la vieja escuela por allá en los ochenta.
Todos nos preguntan, bueno ¿y por qué dos seis tres? Lamento decepcionar si esperaban algo trascendental, pero es solo por darle una estética distinta al nombre de nuestra brigada. Como podrán darse cuenta hay un montón de grupos de rock llamados “brigada”. A veces podemos ser dos, seis los involucrados, o tres, pero nunca solos, es solo eso.
Recuerdo que cuando descubrí la música de BRIGADA II / VI / III, esta me atrapó por su fiereza. Es imposible no sucumbir a un material discográfico que suena tan original y refrescante. ¿Este proyecto incluye composiciones, estilos, géneros, algo que no habían podido hacer en otras bandas?
Jorge: Yo pienso que todo va de la mano, tanto los estilos o géneros que trae cada uno de nosotros. Los gustos musicales pueden variar porque no nada más escuchamos hardcore, entonces tomamos recursos de todo lo escuchado. Es entonces que obtenemos un resultado casi siempre favorable para todos los de la banda y lo plasmamos en las canciones. Por ejemplo, yo toco en otras bandas de hardcore y no se compone igual, es muy distinta la manera de componer en cada banda y las baterías pueden sonar distintas también.
Álex: Sí, de hecho, partiendo de que para hacer hardcore y punk no se necesita ser un virtuoso de los instrumentos, lograr llevar a cabo algunos de los temas no se hubiese conseguido si no se hubiera tenido esa escuela de metalizar al punk. El hecho de que personas con la apertura y la misma inquietud coincidiéramos fue clave para nuestra música. Jorge, en la pila, participa activamente en varias bandas de hardcore de la ciudad, y aun así, el sentido con el que lo hace en cada una es diferente, cada una tiene su línea y su sello. Antonio, quien gusta del doom y el grunge punk, también es clave en su participación con las cuerdas graves. Chxris, quien recientemente se ha unido al proyecto también como baterista, ha venido tocando en bandas de diferentes estilos como black Metal, melodeath, metalcore y deathcore, consolidando así su manera de hacer ruido. Yo también he experimentado por un buen tiempo la combinación del metal y el punk en diferentes géneros. Definitivamente no hubiéramos logrado nuestros temas sin toda esta experiencia y participación en otros proyectos, y gracias por tu percepción de nuestra música.
El beatdown es uno de los géneros dentro de la mezcla de sonidos de BRIGADA, y hay quien afirma que el new beatdown (básicamente deathcore) no tiene ninguna correlación con el beatdown/heavy hardcore/NYHC de los noventa y dos miles, ¿qué opinan de esto?
Jorge: Esta pregunta está medio rara… pero, yo digo que sí está relacionado porque antes del deathcore… el deathcore tiene partes muy rápidas y también partes muy lentas, entonces las bandas de NYHC de los noventa utilizaban los beatdowns no tan marcados, pero sí se nota en sus composiciones los tiempos lentos en sus rolas, entonces, como son la base, desde sus inicios, yo pienso que dieron paso a que en el deathcore se utilizará. Entonces, pienso que sí está relacionado.
Álex: Hablar de musicología en cuanto a sus géneros y corrientes es muy complejo, ya que la percepción de estos difiere y cambia generación con generación. Un género cambia y sus seguidores iniciales cronológicamente hablando, van difiriendo con lo que su género mutó con el paso del tiempo (lo que gustaba cambió), esto puede llegar a caer en una de esas absurdas cosas, peleas de vieja escuela versus nueva escuela, decir que todo lo nuevo no es bueno y que lo que a uno le tocó sí lo es. ¿Qué es el beatdown? Es ese hardcore con punch y guitarras más graves que la afinación estándar puede conseguir. Quien no esté familiarizado con este podrá decir que es un hardcore con thrash, otros que es nu metal, otros metalcore o metalcore primitivo: la percepción dependerá del observador en contexto.
Hablar
del New York hardcore y beatdown es hablar de GORILLA BISCUITS, SICK OF IT
ALL, BIOHAZARD, BULLDOZE, FULL BLOWN CHAOS, por mencionar bandas que le
dieron vida al hardcore en diferentes generaciones.
Puedes
comparar la versión de “Clobberin Time” (1987) y “Just Look Around” (1992), con
su regrabación e interpretación en el álbum XXV Nonstop (2011), y
es como escuchar a un SICK OF IT ALL renacido o a otra banda metalizando
esas primeras versiones de hardcore neoyorquino. ¡Beatdown puro!
Si
bien puede que no sea verdad, en diferentes discusiones en artículos y foros de
internet, a GORILLA BISCUITS, en su tema de “Start Today” (1989), se le
adjudica haber contribuido con el primer breakdown en un tema de hardcore (riff
previo al solo de armónica). BIOHAZARD, por ejemplo, quienes no se
consideraban a ellos mismos hardcore, pero eran parte de esa escena musical
neoyorquina, fueron un claro ejemplo de la consolidación de música pesada y
elementos de rap en el hardcore beatdown. BULLDOZE, quienes no eran
parte del NYHC, toman todos estos elementos de finales de los ochenta y principios
noventa y consolidan al género con su álbum The Final Beatdown
(1996), cambiando las reglas de que el hardcore solo viene de riffs y
tempos rápidos. FULL BLOWN CHAOS, a diferencia de todas estas
anteriores, es una banda que se inclina más por el metal dentro del hardcore.
Es esa clase de sonido que al escucharlo te imaginas a unos gordos tocando, y
es esa clase de beatdown neoyorquino contemporáneo a brigada que tanto nos
gusta.
Es
claro que todas estas bandas han pavimentado el sonido en cuestión, y si
escuchas los temas mencionados nada tienen que ver con el deathcore. Aunque el
sonido de bandas como SUNAMI y KNOCKED LOOSE pueda confundirse
con deathcore o slamming death, por sus pasajes graves cromáticos en guitarras
de siete cuerdas, disonancias a destiempo, armónicos chillantes, breakdowns con
pigsqueals, voces gritadas graves y agudas, nos dice que es solo otra nueva
manera de hacer las cosas.
Aparte del beatdown, qué otros géneros incluyen en su música.
Tony: Inicié tocando el bajo en bandas locales de grunge (DAISY CHAIN) y rock alternativo (TRANSISTOR, LUMBRE, PEACHY WITCHES). Soy fan desde muy pequeño del grunge, shoegaze, metalcore, el gothic metal y del doom metal. Mi primer acercamiento con el punk fue ESKORBUTO, SEX PISTOLS, THE CLASH y REINCIDENTES como a los 10 años. Mantengo mi mente abierta a cualquier estilo de música. Con BRIGADA siento que todos aportamos algo diferente al sonido de la banda y tenemos la oportunidad de hacer algo fresco con nuestras influencias, pero manteniendo la esencia del sonido que tocamos. El Alex se avienta unos acordes que yo le digo que son jazzeros bien marcianos y progresivos, no sé si sea inconscientemente o no, pero son matices únicos y funcionan muy bien en todas las rolas. Yo por mi parte… me gusta darle ese groove bluesero y funk a las rolas; mi gran inspiración en el bajo es Krist Novoselic de NIRVANA, que para mí él es un bajista que sabe muy bien combinar este rollo con un sonido ponchado, potente, que resalta en sus canciones.
Chxris: Pues, como soy el ultimo que entró, prácticamente tengo que tocar algo ya establecido, no me he metido todavía a la composición, pero indudablemente uno le pone su toque. Yo tengo muchas influencias, no solo de hardcore y metal, sino de jazz, R&B, entre otros. Pienso que agregar esos pequeños detalles hacen que todo este pedo salga de la monotonía y hace las cosas especiales.
Jorge: Aparte del beatdown tomamos recursos del thrash, del punk, metal, hardcore, metalcore, alternativo melódico, tomamos recursos de todos los géneros que podemos acomodar en nuestras canciones.
Álex: La intención siempre ha sido hacer hardcore con elementos de beatdown, pero sin llegar a ser una banda purista de este género: disfrutamos mucho el tocar rápido… también tenemos temas más cercanos al poshardcore, temas con elementos del thrashcore, y por supuesto, del punk.
Desde mi punto de vista, el moshpit, en el caso puntual del hardcore, es una evidente demostración de masculinidad: qué opinan de la forma de hacer beatdown, donde aun si estás afuera del moshpit no significa que estás a salvo de golpes y agresiones.
Tony: Difiero que sea algo específico de la masculinidad. Las ganas de hacer desmadre no tienen género. Pienso que en cualquier show tenemos que cuidarnos entre todos: público, staff, músicos. Es importante que todos disfruten bien el desmadre a pesar de la naturaleza de estos shows.
Chxris: Realmente no creo que sea una cuestión de masculinidad, ambos, morros y morras, podemos sacar todo lo que traemos, particularmente en el último toquín que asistí andaba una morra metiéndome unos buenos empujones, jajaja.
Jorge: Es común ver más hombres dentro, pero tanto hombres como mujeres se pueden meter, ¿no?; es para el que quiera estar allí adentro. Se ha visto casos en toquines donde hay moshpits solamente de mujeres y es impresionante eso. Pero pues al momento de entrar ahí hay que entrar consciente de que te puede tocar un golpe, un fuerte golpe, tanto adentro como afuera y tienes que estar consiente que no es algo personal, ¿no? Es como que te tocó el golpe y ni pedo, aguanta vara o hazte hasta fuera, hasta donde creas tú que no te vaya a alcanzar un golpe si no quieres.
Álex: Nos parece que esa es una observación cargada de algún juicio personal, el cual es muy respetable. El bailar como gorilas, sacar rábanos imaginarios, hacer patadas voladoras y brincar empujando a todo el mundo no nos hace más hombres, es solo una descarga de adrenalina efusiva del momento. Se ha mirado en grandes ciudades, en donde la afluencia de personas a las tocadas es alta, que algunas bandas piden dejar únicamente a las mujeres bailar algunas de sus canciones. Pero cuando no es el caso, creo que ellas están bajo su propio riesgo. Ahora hay que entender que dentro del pit nada es personal, ten cuidado con tus movimientos porque podrías recibir el mismo resultado de lo que haces.
Cuando
es un pogo en una ciudad pequeña, como la nuestra, hay veces que se crea como
una hermandad donde las cosas no suben de nivel y todo queda ahí, pues todos se
conocen; seguramente si vas a una ciudad a donde no perteneces y quieres hacer
tus mejores pasos habrá quien no te recibirá bien por el simple hecho de ser un
desconocido. Cuando recién llegué a Hermosillo había crews de hardcore que
golpeaban a los que no eran parte de su clan en el mosh. Muy territorial y
primitivo, pero supongo que a grandes rasgos así es en todas partes.
¿Existe
un elemento en común entre BRIGADA II VI III y el resto de sus proyectos
musicales?; ¿cuáles son todos esos elementos que no están en otras bandas y
podemos encontrar en BRIGADA?
Álex: Sí, la amistad, el hardcore-punk, el metal y el do it yourself. Antes de juntarnos a hacer música procuramos ser buenos amigos y desprendernos de nuestro ego, ya que como personas todos tenemos uno… olvidarnos de ser buenos compas trae problemas para trabajar en equipo. Hacemos todo lo que esté a nuestro alcance para materializar nuestra música. Compartimos integrantes con otras bandas, respetamos y apoyamos sus propuestas y sonidos. Se dice fácil, pero aprender a ser buenos amigos, dejando el individualismo, lleva tiempo. Manejar esa dinámica del estire y afloje, haciendo lo mejor que está en nuestras manos para que las cosas sucedan, no es sencillo. Por eso muchas bandas no funcionan y quedan en el camino. Para hablar de hermandad y amistad hay que comenzar por nuestra casa ¿Todo esto contestará también esa segunda pregunta?
¿De
qué van las letras de su disco titulado MMXX y lanzado en 2021?
Canción por canción, si son tan amables, pues resulta interesante saber qué los
inspiró, qué hay detrás, cuál es su significado.
Álex: En general la intención de todas las canciones es hacer que el escucha encuentre empatía y las haga suyas, aunque la inspiración con las que fueron creadas haga que su significado no sea el mismo: “Del pasado al mañana” habla de sobrellevar contigo apodos, momentos vergonzosos cargados de inmadurez, consecuencia de la inexperiencia y juventud. Ya que de uno depende si estos momentos lo representan o no; “Voces de bronce” es una invitación a vieja y nueva escuela del rock a no tomarse las cosas tan a pecho, a ser buenos camaradas, a no hablar mal de los demás, aprender a llegar a viejos haciendo música; “Le Morte”, la Muerte en francés, describe la experiencia de un metasueño acompañado de una parálisis del sueño, donde el subconsciente y la realidad aprovechan ese estado mental para tener un encuentro con la Muerte personificada, quien cortésmente te viene a decir “aprovecha tu tiempo”; “Last Clown” trata sobre el despertar de un trabajador que no quiere convertirse en alguien que no es para poder encajar en el perfil que los demás necesitan, ya que contradice sus principios, manera de ser, sentir y de pensar; “Alexandra” cuenta el sentir de la distancia, el trabajo y el tiempo alejado de una hija desde la percepción pesimista de un padre.
De
aquí en adelante, musicalmente, qué les gustaría experimentar.
Chxris: Tocar fuera… en los proyectos en los que estuve anteriormente no llegué a salir de Sonora; y poder compartir más experiencias con otros músicos.
Jorge: A mí me gustaría experimentar en la batería algo más suave, más tranquilo, “más digerible” como un rock pop básico, un hip-hop, baladas, algo norteño tipo regional mexicano: algo con lo que no tiene nada que ver con hardcore.
Álex: Hacer presentaciones fuera de la ciudad, grabar un video, alguna sesión en vivo, grabar un disco de larga duración o un split con alguna banda que comparta la misma inquietud y energía de hacer música.
Qué es
más importante: ¿dar rienda suelta a la imaginación o adaptarse a las
tendencias?
Tony: Dar rienda suelta a la imaginación a través de la inspiración buscando nuevos sonidos, nuevas formas de hacer las cosas o redescubriendo ideas del pasado. No hay que ignorar las tendencias, siempre habrá algo o alguien nuevo que nos ayude a expandir nuestros horizontes acerca de todo lo que ya sabíamos.
Álex: Hacer lo que te gusta en cualquiera de las dos opciones. Imaginar y forjar aquello que nadie ha hecho, o hacer a tu manera lo que ya está propuesto.
Las
preguntas a continuación son científicamente imposibles, pero no dejan de ser
un ejercicio reflexivo: primero, si tuvieran una varita mágica, qué cambiarían
de la escena local; segundo, si tuvieran 17 de años en este momento, ¿qué
estarían haciendo?
Tony: Hay una gran variedad de géneros musicales con propuestas únicas. Lo que falta es que más personas de otras partes de México y del mundo vean lo que ha estado ocurriendo y lo que ocurre en nuestra ciudad. Creo que los artistas y bandas deberían de empeñarse a dar más difusión en redes sociales y plataformas digitales, ver todas las maneras posibles de conectar con la audiencia que ya tienen y con el público potencial que esta allá afuera.
La
escena local en Hermosillo hoy se encuentra en un muy buen lugar. Cada vez hay
más espacios para compartir música en la ciudad y hay siempre nuevas
generaciones asistiendo a los eventos como público o como artistas.
En
mi opinión veo a muchos artistas que me encantaría verlos en escenarios más
grandes y en festivales cabrones como CRÁNEO DE GATO, MATAVENADOS,
PURAMSCORIAM, REY RATA, CAPIRUCHOS, HONEY POT, CANDLEHEADS, LOS COCHILOKOS,
MADELEINE, S.E.D, CORVIX, solo por mencionar algunos de la amplia gama de
músicos y bandas que tenemos en Hermosillo.
Si
tuviera 17 años me comería una pizza familiar del Rin Rin Pizza sin la
preocupación de cagarme macizo o engordar pasado de verga de un día para otro,
y viviría la vida con menos estrés y menos apurado.
Chxris: No cambiaría nada, si bien no siempre las cosas son perfectas siempre se desea más unidad y apoyo, pero las cosas son parte del equilibrio, las dos partes: amor y odio, apoyo y desinterés. Si tuviera 17 años me daría un zape a mí mismo y tomar esas clases de batería que no debí dejar jajaja.
Álex: Que hubiese más apoyo para la música emergente; que la música no estuviera centralizada y se le tomara la seriedad artística al trabajo que lleva; que los eventos y apoyos musicales dejaran de ser solo entre grupos sectarios. Jaja, pinche Tony… yo confiaría más en mis instintos, me acercaría más a los experimentados en las áreas de mi interés y disfrutaría más a los que se nos adelantaron.
Jorge: Si tuviera 17 años en este momento… ¡Verga! Yo creo que no estuviera tocando la batería jajaja y mejor me estuviera preparando en otro tipo de cosas.
Gracias
por su tiempo. ¿Algo más que deseen agregar?
Tony: Lean fanzines, descubran música nueva, géneros nuevos, vayan a toquines de bandas viejas y nuevas; apoyen a las bandas locales que genuinamente más les guste de la manera que les sea posible.
Álex: No olviden seguirnos en nuestras redes sociales, canales de difusión y próximas presentaciones, consuman nuestra música en las plataformas de streaming o adquieran nuestro álbum físico en formato CD con los sellos que trabajaron con nosotros para su distribución: RIZOMA RECORDS, INFECCIÓN SONORA, MOTORWORSHIP RECORDS y CEPHALÓPODOS y denúncienos con su promotor local e invítenos a tocar. Gracias a ustedes por su tiempo, labor y espacio, ojalá nos lean y leamos pronto y más seguido.
Un sello sonorense
Por Eduardo Madera
Rizoma Records es un sello discográfico independiente de Hermosillo, Sonora, proyecto que vio la luz en el 2001. Rubén Martell (Grind Boy) y Ángel Orozco (Don Pollo Core) decidieron iniciar esta aventura para editar a su propia banda: STRESS. Una edición que resultó en un tiraje de mil copias en formato caset y fue coproducida por el legendario sello Cryptas Records. En esta primera etapa de Rizoma salieron a la calle discos de bandas como EL GRITO, NO MÁS NO y NUNCA MÁS. Tanto Rubén como Ángel ya habían colaborado en otro sello llamado Tierra y Libertad Records, donde editaron un disco de la banda mexicana COPROFILIA (2001).
Rizoma Records estuvo muy activo en la primera década del dos mil, y con buenos resultados, haciéndose de un nombre a nivel nacional como sello independiente y distro (ya que también manejaban material de bandas de Europa, Asia y el contimente americano gracias al intercambio con otros sellos), pero al igual que todas las discográficas en la primera década del Siglo XXI, vivieron una crisis que los orilló a dejar de editar música tras la llegada del formato MP3. De hecho, en el 2009 fue su último trabajo en esta etapa.
La gente dejó de comprar música en formato físico, sobre todo en el mundo de la música subterránea. Después de todo, ¿para qué gastar 100 pesos en un disco compacto original si puedo comprar uno en blanco por tres pesos y quemar casi 200 canciones en formato mp3? Canciones, por cierto, descargadas sin costo en internet. Ese pensamiento acabó con el trabajo de casi todos los sellos independientes en el mundo entero, no solo en México.
En el 2013, Ángel decide retomar el nombre de Rizoma, pero ahora como una editorial independiente, donde hasta el día de hoy se publica poesía, cuento corto y varios fanzines punks, metaleros y de ilustración, pero en el 2018, ante la explosión de la nostalgia en la música subterránea y el creciente y renovado interés de la escena por volver al formato musical físico (vinilos, casets y discos compactos), Rizoma Records volvió a la vida, Rubén y Ángel revivieron el sello e incorporaron al equipo a Jesús Tánori, exvocalista de LUXOR allá en los noventa.
Rizoma Records, del 2018 a la fecha, ha editado a bandas como HABAK, ESCASEZ, ATÓXXXICO, MUSYDEZ y BRIGADA 263, además tienen varios proyectos en camino como el CD de HYENNA y el vinilo larga duración de STRESS, que sería el primer material del sello editado en este formato, lo cual se logró gracias a la colaboración de otros sellos como Bam Bam, Test, Clockwork MX, Constructivismo DIY, Protesta y Motorworship.
Hoy, tanto Rizoma Records como Rizoma Ediciones siguen activos y ofreciendo propuestas alternativas e independientes dentro la música y la literatura, apegados siempre a la cultura del Hazlo Tú Mism@ y la autogestión. Acércate a su trabajo, conócelo y disfrútalo.
[reflexiones inevitables]
Texto por Bere Equis
Fotos Ángel Orozco
El 2 de octubre del 2021, en la ciudad de Hermosillo, Atóxxxico apareció en el escenario y el “slamómetro” (término acuñado por Amílcar Peñuñuri, vocal y baterista de Suciedad Discriminada), fue un claro indicador de que el furor y la emoción de escuchar a esta banda subía de nivel. Interpretaron rolas clásicas como “De rodillas”, “Punks de mierda”, “Puerco policía”, “Divisiones absurdas”, entre otras. Tal como lo describe el Choco (Amilcar) en su tesis: “veían a las bandas como rocolas humanas, pidiendo tal o cual rola de su agrupación favorita”. Sucede siempre y esta vez no fue la excepción. Ante la insistencia de la raza, y sin contemplaciones, Thrasher (el vocalista y bajista) les contestó: “no estén chingando, no somos mariachi… vamos a tocar lo que nos dé la gana, vamos a tocar todas…”, y aunque él haya declarado en una entrevista: “algunos creen que hay que ir a escucharnos porque esto tiene valor curricular” y no estar de acuerdo con ello, sí generó en mí cierta turbación el haberlo escuchado mientras tocaban dirigirse al público entre rola y rola como “powsers”. Una palabra que a mi parecer está en desuso y refleja falta de humildad, además de ser sectaria.
Me persiguió un par de días esa intranquilidad. Cuesta trabajo entenderlo partiendo de la premisa de que estamos inmersos en el sistema capitalista y en un mundo globalizado, por lo que difícilmente se puede vivir fuera del sistema. Hace días leí un artículo donde la idea central era preguntarse: ¿qué determina al underground, los medios o los discursos?... porque utilizamos los mismos canales que el mainstream, por mencionar tan solo una contradicción.
En una entrevista que le hicieron, Thrasher declaró: “…uno crece por experiencia propia, pero crece más si pone atención a los errores cometidos por generaciones anteriores. Esto fue lo primero que aprendí: teorizar, cualquiera; accionar, no muchos”. Lo entiendo, sin embargo, el discurso segrega, presupone e impide con ello la participación y el involucramiento de los demás.
Ramírez Paredes afirma que “en una colectividad se crea cierta identidad en donde el sentido de pertenencia está inseparablemente ligado al compromiso. El grado de compromiso implica la necesidad de ser o pertenecer sabiendo por qué y no solo por una mera afición. Sin embargo, ello no supone que los involucrados sean expertos en lo que a su música y colectividad se refiere. Solamente significa que algunos de ellos se encuentran ahí por un aspecto lúdico, otros por un conocimiento que consideran suficiente para establecer un compromiso, y los restantes por un conocimiento más profundo de aquello a lo que se adhieren”.
Para
algunos fue una etapa, para otros una historia de vida. Novatos, principiantes,
exploradores, experimentadores de sensaciones, qué más da. Eso sí, el ser congruente
asumiendo gustos y filiaciones ideológicas es importante: Significarse, sin
más.
Hay
que mencionar también que a veces las chicas son consideradas groupies y
por añadidura, powsers. No creo que pocas hayamos tenido que demostrar
que estábamos allí por la música y no por los batos. La expresión empleada por
el vocal de Atóxxxico quizá se explica su experiencia personal en la
escena en el centro de la república; a decir verdad, la escena es muy diversa,
muchas tribus urbanas. No obstante, el sectarismo siempre se asoma de forma
amenazadora.
Karla,
emprendedora del underground, alguna vez en un foro organizado por Contra
Divisiones Absurdas Crew, expresó que al llegar a Sonora, desde la Ciudad
de México, se sorprendió porque las tocadas locales eran con bandas de
distintos géneros y que la gente de distintas tribus convivía sin problema. En
palabras de Darío Villanueva: “está comprobado que las personas hacemos
prevalecer nuestros prejuicios a la evidencia”.
Cabe
mencionar que ese 2 de octubre del 2021, el promedio de edad de los presentes
en la tocada de Atóxxxico en Hermosillo oscilaba entre los 35 y los 40
años: viejos conocidos y aferrados. No creo que se deba defender el derecho de
antigüedad en la música, sino la memoria. Es todavía más importante voltear a
mirarnos y escucharnos a nosotros mismos.
Preocupémonos por mantener viva la escena, por innovar, no conformarnos, respetarnos y en lugar de segregar, compartir saberes musicales; que la vida nos otorgue el suficiente tiempo para compartir las experiencias vividas y apoyar a los más jóvenes y envejecer con sentido.
Resulta
vital despertar en la raza la fraternidad, porque We are all we have.
Debemos buscar y encontrar formas de conectar a las diferentes generaciones que
conforman la escena local porque tenemos cosas que decirnos y tenemos también
un futuro en común. Podemos aprender unos de los otros, aprovechar el potencial
de cada generación de igual a igual, crecer por medio de la cooperación: hacer
vigente el código de honor entre bandas, reírnos de las divisiones absurdas,
recelos, sectarismos, envidias, jerarquías imaginarias, egos, guetos y
rivalidades, tales como el eterno “¿quién es el o la más rocker?” o el “tuve
celos hasta de mis canciones”. Al paso del tiempo se aprende que las rivalidades
finalmente no llevan a nada. Toda esta mala vibra es AntiNosotros.
Me quedo con el estribillo (de una canción de Stress), de esas frases que son mucho más que un lema y mi reflexión final, con toda nostalgia, estos largos y agridulces años en la historia de la contracultura en esta ciudad, Hermosillo, han significado la eterna búsqueda de: “¡Romper el silencio, ser diferentes, independientes, autogestivos, sobrevivientes!”. Así sea.
